GRECIA

El término Antigua Grecia se refiere al período de la historia de Grecia que abarca desde la Edad Oscura de Grecia ca. 1200 a. C. y la invasión dórica, hasta el año 146 a. C. y la conquista romana de Grecia tras la batalla de Corinto. Se considera generalmente como la cultura seminal que sirvió de base a la civilización occidental. 
La cultura de Grecia tuvo una poderosa influencia sobre el Imperio romano, el cual la difundió a través de muchos de sus territorios de Europa.
 La civilización de los antiguos griegos ha sido enormemente influyente para la lengua, la política, los sistemas educativos, la filosofía, la ciencia y las artes, dando origen a la corriente renacentista de los siglos XV y XVI en Europa Occidental, y resurgiendo también durante los movimientos neoclásicos de los siglos XVIII y XIX en Europa y América.


CONTEXTO SOCIAL E HISTÓRICO

La civilización griega no construyó ningún estado centralizado, sino que se organizó en un sistema de pequeñas ciudades estado denominada la polis. Cada pequeña polis poseía su propio sistema de gobierno y una autonomía importante. Las polis griegas también generaron formas de gobierno que no se conocían hasta el momento. 
Surgieron gobiernos oligárquicos y aristocráticos, pero también apareció la primera democracia de la historia.
 Se ha considerado a la civilización griega como una cultura antropocéntrica, es decir, muy preocupada por el ser humano. “El hombre es la medida de todas las cosas”, dijo Pitágoras. Y en efecto, los griegos se preocupan y estudian nuestra propia naturaleza.
Las sociedades de la antigüedad aparecen claramente jerarquizadas, y conforman sistemas de clases o castas a los que una persona pertenecía por nacimiento, y de los que era muy difícil poder salir.
 La Antigua Grecia no era una excepción, y encontramos los siguientes grupos sociales:
Aristócratas o nobles. Se llaman a sí mismos los Aristoi, que se puede traducir literalmente como los mejores. Son los ricos propietarios de la tierra. Tienen representación política en los Consejos o Senados.   Los aristócratas solían ser muy ambiciosos, y esto generaba grandes disputas y rivalidades entre las diferentes familias, que muchas veces se trasladaban a la escena pública y al gobierno de la república.
Ciudadanos libres o plebeyos. Son ciudadanos libres, pero con menor nivel económico. Suelen ser pequeños campesinos, mercaderes, artesanos, etc.
Periekos en Esparta. Carecen de toda representación política, no participan del gobierno de la polis, pero tampoco de su defensa.
Esclavos. Son considerados una mercancía, y sus amos pueden disponer libremente de ellos.

ROMÁNICO Y GÓTICO

ARTE ROMÁNICO
Románico fue un estilo artístico predominante en Europa durante los siglos XI, XII y parte del XIII. El arte románico fue el primer gran estilo claramente cristiano y europeo que agrupó a las diferentes opciones que se habían utilizado en la temprana Edad Media (romana, prerrománica, bizantina, germánica y árabe) y consiguió formular un lenguaje específico y coherente aplicado a todas las manifestaciones artísticas.
Los diferentes estilos fueron evolucionando hacia uno sólo, muy homogéneo, con características casi idénticas en todos los países.
La mayoría de construcciones románicas fueron realizadas gracias a las generosas aportaciones de reyes y nobles, así como con los impuestos agrarios. Esto ayudó a incrementar en gran medida el patrimonio y poder material de la Iglesia, mientras que los nobles buscaban así la salvación de su alma.
Además de edificios religiosos, se construyeron fortificaciones militares para refugio y defensa, como también obras civiles. Estas últimas, se debió en gran parte al aumento en el paso de personas hacia los lugares de culto.
De forma tradicional, se atribuyen una serie de características generales al estilo románico, como son la solidez de la construcción, gran anchura de muros para poder resistir la fuerza y tensiones de la estructura, el uso del arco de medio punto y la bóveda de medio cañón, tendencia a la horizontalidad frente a la verticalidad del gótico, etc.
Su origen monacal lo convierte en una manifestación artística profundamente religiosa, a través de la cual se invita, a los fieles, a la meditación, al recogimiento y a la oración como medio de acercamiento a Dios.
La parte más atractiva de este arte es la combinación de formas arquitectónicas, siendo de gran equilibrio y elegancia, dada su sencillez, sentido de la simetría y el orden y la utilización de escultura de una extraña belleza, muy alejada de los cánones clásicos.
Surge como consecuencia de la prosperidad material y de la renovación espiritual que inspiró la construcción de gran número de iglesias y de edificios religiosos. Las primeras construcciones se hicieron en Lombardía, Borgoña y Normandía. Desde allí se difundió por toda Europa, debido a:
-Expansión de las órdenes religiosas (Cluny y Císter) que construyen monasterios. Éstos son fuente de riqueza y centro cultural y urbano de la sociedad.
-Las peregrinaciones (en España el románico se introduce a través del Camino de Santiago).
-Aumento de la influencia de la iglesia.
Debido a las relaciones entre religiosos y nobles, los reyes, nobles, obispos y abades de los monasterios impulsaron la construcción de las grandes iglesias y a veces eran aldeanos quienes las costeaban y construían. Las obras las realizaban artesanos especializados como arquitectos, picapedreros, pintores, etc. El arte románico fue sobre todo un arte religioso, que reflejaba los valores de la nueva sociedad feudal, que a la vez era guerrera y cristiana.

FUENTE  http://es.wikipedia.org/wiki/Arte_Rom%C3%A1nico


CONTEXTO HISTÓRICO
Hasta el siglo X la situación política era muy convulsa. Se produjeron las invasiones (bárbaras, musulmanas, etc.). Cuando se terminan, la religión va a unificar a toda Europa.
Si bien en el siglo X nos encontraremos una situación de estabilidad externa, se producirán conflictos internos causados por la nobleza. Por eso la arquitectura de este periodo tiene un aspecto defensivo. La sociedad era feudal y estamental. El arte se va a convertir en transmisor de la espiritualidad (palabra de Dios y temor a la ira de Dios) de estos siglos.

EL BOSCO

Biografía

Jeroen Anthoniszoon van Aeken, conocido como El Bosco o Jerónimo Bosch era un pintor neerlandés. Si bien no se conoce con precision su fecha de nacimiento, se estima que fue probablemente alrededor de 1450, quizá el 2 de octubre en Bolduque, una ciudad en el sur de lo que hoy son los Países Bajos. Su familia, los Van Aken, procedía de Aquisgrán y se dedicaban a la pintura.

Al ser pintores, según el sistema medieval de estamentos, formaban parte del respectivo gremio. Esto es importante para entender por qué se hizo conocido como 'El Bosco' (en neerlandés: Den Bosch); a la muerte del padre, el hermano mayor fue el único con derecho para usar gremialmente el apellido van Aken, así, Jeroen adoptó como nombre artístico el nombre abreviado de su ciudad natal, siendo asimismo latinizado su nombre, pasando a firmar como Hieronymus en lugar de Jeroen.

Nada se sabe de la primera formación artística, pero puede suponerse que aprendió en el taller familiar dedicado a la pintura al fresco, a dorar esculturas de madera y a la producción de objetos sagrados, trabajando especialmente para la catedral de la ciudad. Diseñó los vitrales de la catedral de Hertogenbosch, y en vida disfrutó del éxito tanto en su ciudad como fuera de ella. En 1486 ingresó en la Vrouwe broederschap (cofradía religiosa de Nuestra Señora), corporación de gran prestigio e influencia. Esta cofradía era una asociación de laicos dedicados al culto a la Virgen y a obras de caridad, y también se involucraba en representaciones sagradas. Le sirvió para cultivarse artística y culturalmente. Entre el año 1488 y el 1489, se sabe, por documentos, que pintó las alas de un políptico esculpido para esta misma confraternidad. El Bosco parece enmarcarse en una corriente mística prerreformista. Entre 1500 y 1504 no se hallan documentos sobre El Bosco, es probable que en esos años el artista haya viajado a Italia, hospedandose en Venecia. De hecho en esa ciudad están presentes muchas obras suyas en colecciones privadas fechadas al comienzo del siglo XVI.
El Bosco falleció el 9 de agosto de 1516.

RENACIMIENTO- MANIERISMO

Contexto social e histórico del Renacimiento

  El Renacimiento es una época de importantes transformaciones tanto filosóficas, religiosas, culturales, políticas, de la ciencia…
Renacimiento es el nombre dado a un amplio movimiento cultural que se produjo en Europa Occidental en los siglos XV y XVI. Sus principales exponentes se hallan en el campo de las artes, aunque también se produjo una renovación en las ciencias, tanto naturales como humanas.
 Italia fue el lugar de nacimiento y desarrollo de este movimiento.
El Renacimiento fue fruto de la difusión de las ideas del humanismo, que determinaron una nueva concepción del hombre y del mundo. El nombre «renacimiento» se utilizó porque este movimiento retomaba ciertos elementos de la cultura clásica. El término se aplicó originariamente como una vuelta a los valores de la cultura grecolatina y a la contemplación libre de la naturaleza tras siglos de predominio de un tipo de mentalidad más rígida y dogmática establecida en la Europa de la Edad Media.
 Esta nueva etapa planteó una nueva forma de ver el mundo y al ser humano, con nuevos enfoques en los campos de las artes, la política y las ciencias, sustituyendo el teocentrismo medieval por cierto antropocentrismo.

En este sentido, el historiador y artista Giorgio Vasari (1511-1574) formuló una idea determinante: el nuevo nacimiento del arte antiguo (Rinascitá), que presuponía una marcada conciencia histórica individual, fenómeno completamente nuevo en la actitud espiritual del artista. De hecho, el Renacimiento rompió, conscientemente, con la tradición artística medieval, a la que calificó como un estilo de bárbaros, que más tarde recibirá el calificativo de gótico. Sin embargo, los cambios tanto estéticos como en cuanto a la mentalidad fueron lentos y graduales.

El Renacimiento no fue un fenómeno unitario desde los puntos de vista cronológico y geográfico. Su ámbito se limitó a la cultura europea y a los territorios americanos recién descubiertos, a los que las novedades renacentistas llegaron tardíamente. Su desarrollo coincidió con el inicio de la Edad Moderna, marcada por la consolidación de los Estados europeos, los viajes transoceánicos que pusieron en contacto a Europa y América, la descomposición del feudalismo, el ascenso de la burguesía y la afirmación del capitalismo. 
  La ciencia evoluciona y se producen descubrimientos geográficos, como América.  Y se aprecia más a la naturaleza. En la filosofía, hay un cambio respecto a la vision de la sociedad, se pasa de una sociedad teocentrica (Dios es el centro) a una antropocéntrica (el hombe es el centro). Al ser el hombre el principal centro del universo, las personas empiezan a tener conciencia sobre sí mismos. En este plano se empieza a utilizar la razón como fuente del conocimiento.
En lo económico aparece el primer capitalismo que se basa en el mercantilismo. Las características del mercantilismo son la creación de la banca, la separación entre capital y trabajo, agrupación de comerciantes. En el aspecto político, hay un nuevo modelo que consiste en la creación de un estado moderno, que se expande territorialmente con un monarca absoluto y un estado.

 La religión en esta época está en crisis por una serie de críticas que hace la sociedad la cual produce una ruptura en la religión católica. El cristianismo ya no se preocupaba tanto sobre la formalidad de la religión sino que tenía el objetivo de vivirla de forma íntima y sincera. Todo esto desencadenó una revolución dentro de la Iglesia y surgió la reforma. Hay dos tipos de reformas: la protestante que era dirigida por Lutero, y la contrarreforma que se dio dentro de la Iglesia católica. La reforma protestante pensaba que el Papa no tenía que tener la autoridad de la Iglesia y que la Biblia era la única fuente de autoridad religiosa. La contrarreforma fue la solución de la reforma protestante que consistía en devolver la autoridad a la Iglesia.
  Además, en esta época, se dio el fin de la Guerra de los Cien Años y de la peste negra, por lo cual se produjo un aumento económico y de la población.

  En cuanto a la sociedad podemos decir que seguía habiendo una sociedad feudal. Estaba encabezada por la nobleza, que vivía en palacios o mansiones, seguida por la alta burguesía, con muchas riquezas por el comercio y los negocios financieros. Debajo de la burguesía se encontraban los campesinos o pueblo llano, que vivían en una situación de pobreza y recurrieron a menudo a las revueltas, creando una inestabilidad social. Mientras transcurre esta época, la burguesía empieza a ocupar un rol mucho más importante en la sociedad ya que se independizaron de la nobleza feudal.
   La agricultura seguía siendo muy importante ya que daba mucho dinero a la sociedad al producir los productos que más tarde se venderían o se consumirían. Estaba en manos de los nobles terratenientes. A parte de la agricultura, la industria textil, la minera y los comercios tuvieron mucha importancia.
  Otro aspecto importante del renacimiento fue la colonización de América. En 1492 se descubrió América tras una expedición de Colón y los suyos. Esta expansión favoreció tanto a España como a América ya que hubo intercambios de productos agrícolas y ganaderos como el tomate, la patata, el maíz, el cacao, las vacas, los caballos, el cerdo, el trigo, etc… Además de estos productos también se expandieron las enfermedades como la viruela o el sarampión, las cuales provocaron muchas muertes en América. Así que podemos decir que la colonización de América tuvo tanto aspectos positivos como negativos.
  El español o el castellano se convierte en una lengua internacional gracias a la colonización de América, ya que los españoles tuvieron que enseñarles a los indígenas español, además de imponerles sus creencias religiosas, su cultura, etc.

EL GRECO

El Greco

     Doménikos Theotokópoulos, en griego Δομήνικος Θεοτοκόπουλος (Candía, 1541 – Toledo, 1614), conocido como el Greco («el griego»), fue un pintor del final del Renacimiento que desarrolló un estilo muy personal en sus obras de madurez.

    Su obra se compone de grandes lienzos para retablos de iglesias, numerosos cuadros de devoción para instituciones religiosas -en los que a menudo participó su taller- y un grupo de retratos considerados del máximo nivel. En sus primeras obras maestras españolas se aprecia la influencia de sus maestros italianos. Sin embargo, pronto evolucionó hacia un estilo personal caracterizado por sus figuras manieristas extraordinariamente alargadas con iluminación propia, delgadas, fantasmales, muy expresivas, en ambientes indefinidos y una gama de colores buscando los contrastes. Este estilo se identificó con el espíritu de la Contrarreforma y se fue extremando en sus últimos años.

    
     Actualmente está considerado uno de los artistas más grandes de la civilización occidental. Esta alta consideración es reciente y se ha ido formando en los últimos cien años, cambiando la apreciación sobre su pintura formada en los dos siglos y medio que siguieron a su muerte, en que llegó a considerarse un pintor excéntrico y marginal en la historia del arte.

Retrato de un caballero anciano, considerado autorretrato (1595–1600)

CAPILLA SIXTINA

Miguel Ángel
Caprese, actual Italia, 1475 - Roma, 1564. Escultor, pintor y arquitecto italiano. Habitualmente se reconoce a Miguel Ángel como la gran figura del Renacimiento italiano, un hombre cuya excepcional personalidad artística dominó el panorama creativo del siglo XVI.
Durante los aproximados setenta años que duró su carrera, Miguel Ángel cultivó por igual la pintura, la escultura y la arquitectura, con resultados extraordinarios en cada una de estas facetas artísticas. Sus coetáneos veían en las realizaciones de Miguel Ángel una cualidad, denominada terribilità, a la que puede atribuirse la grandeza de su genio; dicho término se refiere a aspectos como el vigor físico, la intensidad emocional y el entusiasmo creativo, verdaderas constantes en sus obras.
La vida de Miguel Ángel transcurrió entre Florencia y Roma, ciudades en las que dejó sus obras maestras. Dio sus primeros pasos haciendo copias de frescos de Giotto o de Masaccio que le sirvieron para definir su estilo.
En 1496 se trasladó a Roma, donde realizó dos esculturas que lo proyectaron a la fama: el Baco y la Piedad de San Pedro. Esta última, su obra maestra de los años de juventud, es una escultura de gran belleza y de un acabado impecable que refleja su maestría técnica.
Al cabo de cinco años regresó a Florencia, donde recibió diversos encargos, entre ellos el David, el joven desnudo de cuatro metros de altura que representa la belleza perfecta y sintetiza los valores del humanismo renacentista.

BARROCO-ROCOCO

ARQUITECTURA 

INTRODUCCIÓN

La arquitectura barroca es un período de la historia de la arquitectura europea que vino precedida del Renacimiento y del Manierismo; se generó en Roma durante el siglo XVII y se extendió hasta mediados del siglo XVIII por los Estados absolutistas europeos.

El término Barroco, derivado del portugués "barru", "perla de forma diferente", se utilizó en un primer momento de forma despectiva para indicar la falta de regularidad y orden del nuevo estilo. La característica principal de la arquitectura barroca fue la utilización de composiciones basadas en líneas curvas, elipses y espirales, así como figuras policéntricas complejas compuestas de motivos que se intersecaban unos con otros.

 La arquitectura se valió de la pintura, la escultura y los estucados para crear conjuntos artísticos teatrales y exuberantes que sirviesen para ensalzar a los monarcas que los habían encargado.

A lo largo del siglo XVIII se fue desarrollando en Francia un movimiento derivado del Barroco que multiplicaba su exuberancia y se basaba fundamentalmente en las artes decorativas que se denominó Rococó y se acabó exportando a buena parte de Europa.

CONTEXTO SOCIAL E HISTÓRICO:

•          Se desarrolla en España y Europa desde finales del siglo XVI hasta comienzos del XVIII como un movimiento cultural e ideológico.

•          La época de esplendor del barroco es el siglo XVII.

•          El barroco se dio con más intensidad y duración en España debido a la fuerza de la Iglesia Católica y de la Inquisición.

•          El siglo XVII es, en general, una época de crisis y decadencia. Por esa razón, el artista adopta una actitud de desconfianza y pesimismo.

•          España se encuentra gobernada por los Austrias (Felipe III, Felipe IV y Carlos II) y pierde la hegemonía política y militar que había alcanzado en el siglo anterior

•          Las graves dificultades económicas provocan un descontento general.

•          La crisis económica, las continuas guerras, las epidemias y la emigración a América hacen descender la población española.

•          Aumentan las diferencias entre los distintos estamentos (claro contraste entre el lujo de la nobleza y la pobreza del pueblo llano)

Plaza Navona

MATERIALES UTILIZADOS Y CARACTERÍSTICAS

Los materiales en la arquitectura:

•          Piedra y ladrillo.

•          En los interiores se utiliza mármol de color, bronce dorado, lapislázuli y estuco. Todo ello crea grandes efectos cromáticos.

•          Los palacios se desarrollan dentro de la ciudad pero siempre abiertos a un jardín como el palacio de Barberini de Bernini en Roma.

•          El patio suele estar en un lateral con lo que se aumentan los puntos de perspectiva.

•          Su unión con el urbanismo, su movimiento, sus caracteres son semejantes al resto de la arquitectura.

•          El modelo más representativo es el de Versalles.

Palacio de Versalles y sus jardines y fuentes.

Las características que definen al arte barroco son:

-       Movimiento, energía y la tensión

-       Contrastes de luces y sombras

-       Intensa espiritualidad

-       Insinuación de enormes espacios

-       El naturalismo

-       El humanismo, buscando la perfección anatómica.

-       Dinamismo.

El estilo arquitectónico se llena de columnas salomónicas y todo tipo de adornos adosados, como esculturas, pilastras y ornamentos.

En escultura, generalmente son figuras religiosas,  muy recargado en la decoración.

Existe una tendencia a dotar a los edificios de movimiento, empleando líneas curvas: alternancia de líneas cóncavas-convexas, que dan lugar a fachadas alabeadas. Es una arquitectura que gusta de los fuertes contrastes: recta-curva, claro-oscuro, cerca-lejos en las perspectivas, etc.

Empleo de formas clásicas transformadas.

Se siguen utilizando muchos elementos clásicos, pero con un tratamiento diferente: frontones quebrados, entablamentos quebrados, columnas clásicas, pero no adosadas, con volumen pleno y columnas salomónicas (muy dinámica, con fuste retorcido que asciende en sentido helicoidal), se prefiere el óvalo al círculo.

Plaza de San Pedro

También abovedamientos cupuliformes

Se emplean bóvedas y cúpulas como cubiertas, pero es frecuente que las cúpulas sean ovaladas.

Profusión de elementos decorativos

Se emplean mucho los relieves que refuerzan el contraste ya citado de claro-oscuros. Dentro de esta decoración en relieve destacan los elementos botánicos y las placas rectangulares
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Fachada de IL Gesú

Tipos de edificios de la Arquitectura Barroca

•          Religiosos: iglesias.

Palacio del Marqués de Dos aguas.

•          Civiles: palacios, que se embellecen con jardines y fuentes.

Tanto en las iglesias como en los palacios, el muro no marca el límite, ya que por medio de espejos o pinturas en las bóvedas se pretende ampliar ilusoriamente el espacio.

Se concede gran importancia al urbanismo.

Durante el Barroco las artes plásticas lograron una integración total.

NEOCLACISISMO

Neoclasicismo

Concepto.
El neoclasicismo fue un estilo inspirado e imitador de la antigüedad clásica, de ahí los temas históricos y mitológicos. Abundan los desnudos al estilo griego y las poses grandilocuentes y frías, muy estudiadas y académicas. Es un arte lleno de normas, donde lo importante es el dibujo mientras el color se considera secundario. Normalmente se huye del movimiento y, cuando está presente, parece congelado, estable y predecible. 

El neoclasicismo fue el movimiento estético surgido en el siglo XVII que vendría a reflejar en las artes los principios intelectuales de la Ilustración, que desde mediados del siglo XVI se venia dando en las ciencias y la filosofía, y que luego tendría un efecto clave en la política con las revoluciones americanas y la Revolución Francesa.

Las primeras manifestaciones de interés por un retorno a la Antigüedad aparecen paralelamente a los primeros indicios de grietas en la estética Rococó, a fin de revitalizar el arte y bajo el impacto de los descubrimientos arqueológicos de Herculano y Pompeya, la Corona francesa organizó una expedición de estudio a Nápoles que tendría resultados sumamente influyentes en el desarrollo del movimiento Neoclásico. A partir tanto estas expediciones como el deseo de retornar al clasicismo de la época de Luis XIV, la crítica, cansada de los temas hedonistas y licenciosos del Arte Rococó, exige a la nueva generación de pintores franceses que mostrase las “acciones virtuosas y heroicas de los grandes hombres de la humanidad”.
 La fe de los Ilustrados en la perfectibilidad del ser humano mediante la educación se combina con los intentos del  Estado dirigidos a estimular el respeto y los sentimientos patrióticos de sus súbditos, y aunque con finalidades distintas, ambos contribuyen en mayor o menor medida a aquel “retorno a la virtud” que entonces estaba vinculada a la cultura de la antigüedad.

 Características principales.
Inspiración en las obras de la época clásica, que se tienen por perfectas y definitivas. Aspiración a la belleza ideal, nacida de la exacta proporción, según medidas dadas por la razón. En las artes plásticas: dibujo impecable, contornos cerrados, volúmenes modelados de modo que da la ilusión de redondez de los cuerpos; colorido suave y composición simétrica y estática.  

Contextohistorico y social.
El neoclasicismo es un movimiento pictórico nacido en Roma en la década de 1760 y que se desarrolló en toda Europa, arraigando especialmente en Francia hasta aproximadamente 1830, en que el Romanticismo pasó a ser la tendencia pictórica dominante.
El Neoclasicismo se sitúa entre el Rococó y el Romanticismo.
En realidad, clasicismo y Romanticismo son tendencias estilísticas burguesas que reaccionan frente al aristocrático rococó, y como tal ideología burguesa, aspira tanto al orden y la estabilidad, como a la libertad que les era negada por el Antiguo Régimen; del mismo modo, es la burguesía la que se plantea la dialéctica entre la razón, que defiende un sistema político más racional que el del Antiguo Régimen, y el sentimiento, muchas veces puro sentimentalismo burgués frente a la frialdad e indiferencia de la aristocracia. En este sentido, el Neoclasicismo representaría la aspiración a un orden regido por la razón. 

ROMANTICISMO-REALISMO

ROMANTICISMO

Contexto histórico  del Romanticismo

La Revolución francesa, las guerras napoleónicas que azotan Europa y la crisis interna de los sistemas de Antiguo Régimen, provocan la pérdida de la fe en la Razón.

 Como reacción, aparece una nueva sensibilidad que se caracteriza por conceder un valor primordial al sentimiento, la exaltación de las pasiones, la intuición, la libertad imaginativa y al individuo. El romanticismo es, ante todo, una manera de sentir.

Ya en la segunda mitad del siglo XVIII comienza a sentirse fatiga y rebeldía contra las normas y ataduras clásicas. Este periodo puede considerarse entre 1775 y 1830. Se produce en Europa una serie de acontecimientos revolucionarios que marcan el inicio de una nueva orden social.

Tras la época de Napoleón y la consolidación de los regímenes de la Restauración monárquica que intentan borrar los vestigios de la Revolución francesa, el Romanticismo se va a convertir en bandera de las jóvenes generaciones que aspiran a cambiar el mundo existente por medio de una revolución en todos los campos.

 El estilo no fue acogido con simpatía en los círculos conservadores. Tampoco las monarquías restauradas podían admitir al liberalismo burgués que se traducía en la existencia de Constituciones o el deseo de independencia de pueblos, como Italia o Alemania, sometidos tradicionalmente a la tutela de grandes imperios.

La definitiva implantación de la burguesía como clase dominante la hace pasar de revolucionaria a conservadora.

 El papel del artista pasa a ser despertar la adormecida conciencia social sobre los terribles problemas sociales de la industrialización: trabajo infantil y femenino, jornadas laborales interminables, condiciones insalubres de las ciudades industriales, desarraigo de la emigración rural. El desencanto que terminó implantando el Segundo Imperio Francés de Napoleón III, llevaron a los artistas a centrarse en lo social.

 La Revolución Industrial asentaba los ideales liberales y significaba el auge burgués, la americana creaba los derechos individuales y la francesa proclamaba la libertad, igualdad y fraternidad de los pueblos.

El Romanticismo supuso el fin del orden clásico. Acabó con la Monarquía absoluta, con la razón y la regla. Creó una nueva escala de valores donde predominaba el `yo' en relación con la realidad exterior. Se produjo una supremacía de lo popular, lo que implicaba un rechazo del Neoclasicismo. Se encuentra un fuerte componente nacionalista en contra de las actitudes universales  de los ilustrados. Por otro lado, la mayoría de los autores románticos reivindicaron el Cristianismo frente al paganismo grecolatino.

El Romanticismo es un movimiento artístico e intelectual que se implanta a finales del Siglo XVIII, cuando se iniciaba el gusto por lo exótico y lo pintoresco, por la visión intimista del paisaje y por la relación sentimental entre el artista y sus temas.

Características visuales y materiales usados en el Romanticismo:

La pintura romántica rechaza las convenciones neoclásicas y sus rígidas reglas; supone un momento de renovación técnica y estética de importantes consecuencias para el futuro:

·        Utiliza diferentes técnicas: el óleo, acuarelas, grabados y litografías.

·        La textura comienza a ser valorada en sí misma y aparecen las superficies rugosas junto con las formas más sutiles. La pincelada es libre, viva y llena de expresividad.

·       Desaparece la línea frente al color. Se recupera la potencia sugestiva del color, liberándose las formas y los límites excesivamente definidos.

·        La luz es importantísima y se cuidan sus gradaciones dando un carácter efectista y teatral.

·        Las composiciones tienden a ser dinámicas, marcadas por las líneas curvas y los gestos dramáticos.

·        En cuanto a los temas, lo característico es la variedad, aunque existen características generales sobre el tratamiento de los temas: se plasman los sentimientos del autor. Surge el exotismo de la memoria de un misterioso y glorioso pasado que incluye desde la antigua Grecia hasta la edad Media, en especial la época gótica. El misterio del “Oriente” introduce temas nuevos, donde se incluyen el mundo desconocido de África del Norte y el de las tierras salvajes. La obsesión de la muerte, la noche y las ruinas.

·        Otro descubrimiento es la Naturaleza y el cultivo del género del paisaje. Se pintan paisajes fantásticos, imaginativos, de estudio, evocados. El pintor se enfrenta a la realidad del paisaje, salen al exterior. Descripción de monstruos y criaturas anormales, junto a lugares y ambientes oscuros, cementerios.

·    Reivindican la individualidad, el culto al individualismo. El artista prefiere su libertad a la de la colectividad. Por ejemplo, Delacroix con la “Libertad guiando al pueblo” donde aparecen pintadas por primera vez las barricadas como testimonio de reivindicación política.

GOYA

Francisco de GOYA.

Contexto histórico y social

El nacimiento el artista en 1747 le hizo parte de una generación que vivió de lleno un período de cambios repentinos y convulsiones decisivas, excepcionales en la historia: las Ciencias, con sus avances modernos en todos los campos, la Razón, con el triunfo de pensamiento laico, y la Revolución, que derriba con crueldad, desconocida hasta entonces, el sistema político hereditario y proclamaba igualitariamente los Derechos del Hombre y todos los hombres y mujeres. Goya, sin embargo, hizo su propia revolución sin alejarse personalmente del centro mismo del Antiguo Régimen español. La Ilustración en España se inscribe en el marco general de la Ilustración europea (espíritu crítico, fe en la razón, confianza en la ciencia, afán didáctico). Las influencias son esencialmente francesas e italianas. Los ilustrados fueron una minoría culta formada por nobles, funcionarios, burgueses y clérigos.

La España del siglo XVIII tuvo ciertas características destacables:

-             Era un país socialmente atrasado, con fuertes desigualdades sociales, una agricultura de Estado regresivo carente de infraestructura y clases medias.

-             Existían ciertos círculos intelectuales abiertos a las ideas del siglo de las luces. Eran liberales sin peso político opuesto al clero y a la monarquía. Estos intelectuales enseñarían a pensar a Goya, a dar forma a sus ideas, y a comprender la realidad humana.

Los acontecimientos históricos -la guerra de de Independencia y la represión absolutista posterior- aumentan en Goya la angustia y reclusión interior. Desaparece su optimismo ilustrado, decepcionado por la invasión napoleónica, y su fe en el ser humano. Su paleta se vuelve más negra y su pincelada más empastada. La violencia invade sus obras, que adoptan tintes alucinatorios. Los detalles pasan a un segundo plano, pero su pintura tiene una expresividad y una fuerza sorprendentes.

Goya, efectivamente, fue uno de los más intuitivos precursores de la modernidad en el arte, origen de tantos creadores contemporáneos, con sus ideas, sus imágenes y su técnica de movimientos que van del impresionismo al expresionismo, del surrealismo al expresionismo abstracto y a la pintura de fuerte cargo social y política del siglo XX. En realidad lo que su arte representó fue la profunda desmitificación del ser humano que había comenzado ya, en el siglo XVIII en otros terrenos, fundamentalmente en el filosófico y literario. Goya utilizó la ruptura de la máscara social, tras la que el arte había escondido al ser humano con anterioridad, para desmontar la aceptación generalizada de su bondad. Borró de un modo nuevo y moderno, acorde con el pensamiento intelectuales europeo de su tiempo, la línea que había separado tradicionalmente a hombres, y demonios. En todas sus facetas desarrolló un estilo que inaugura el Romanticismo. El arte goyesco supone, asimismo, el comienzo de la Pintura contemporánea, y se considera precursor de las vanguardias pictóricas del siglo XX.

Breve biografía

Francisco de Goya y Lucientes nació en Fuendetodos, provincia de Zaragoza el 30 de marzo de 1746. Fue un pintor y grabador español. Su obra abarca la pintura de caballete y mural, el grabado y el dibujo.

Tras un lento aprendizaje en su tierra natal, en el ámbito estilístico del barroco tardío y las estampas devotas, viaja a Italia en 1770, donde traba contacto con el incipiente neoclasicismo, que adopta cuando marcha a Madrid a mediados de esa década, junto con un pintoresquismo costumbrista rococó derivado de su nuevo trabajo como pintor de cartones para los tapices de la manufactura real de Santa Bárbara. El magisterio en esta actividad y en otras relacionadas con la pintura de corte lo imponía Mengs, y el pintor español más reputado era Francisco Bayeu, que fue cuñado de Goya.

En 1792, una grave enfermedad, que le condena a una sordera irreparable, es el eje que marca su vida y su obra. A partir de entonces, Goya se centra en sus obsesiones y produce obras completamente originales, ajenas al gusto imperante, el delirio o la amargura. La penetración psicológica en sus retratos se multiplica y reproduce no sólo los rasgos de los modelos, a los que retrata sin concesiones de ningún tipo, sino también los sentimientos que le transmiten. Una serie de cuadritos en hojalata, a los que él mismo denomina de capricho e invención, inician la fase madura de la obra del artista y la transición hacia la estética romántica.

Además, su obra refleja el convulso periodo histórico en que vive, particularmente la Guerra de la Independencia, de la que la serie de estampas de Los desastres de la guerra es casi un reportaje moderno de las atrocidades cometidas y componen una visión exenta de heroísmo donde las víctimas son siempre los individuos de cualquier clase y condición.

Gran popularidad tiene su Maja desnuda, en parte favorecida por la polémica generada en torno a la identidad de la bella retratada. De comienzos del siglo XIX datan también otros retratos que emprenden el camino hacia el nuevo arte burgués. Al final del conflicto hispano-francés pinta dos grandes cuadros a propósito de los sucesos del levantamiento del dos de mayo de 1808, que sientan un precedente tanto estético como temático para el cuadro de historia, que no solo comenta sucesos próximos a la realidad que vive el artista, sino que alcanza un mensaje universal.

Pero su obra culminante es la serie de pinturas al óleo sobre el muro seco con que decoró su casa de campo (la Quinta del Sordo), las Pinturas negras. En ellas Goya anticipa la pintura contemporánea y los variados movimientos de vanguardia que marcarían el siglo XX.

Goya moriría el 16 de abril de 1828 en Burdeos, Francia.

La obra de Goya es difícil de clasificar por varias razones:

•             Por su carácter de investigador, tanto de nuevas técnicas como de supuestos plásticos.

•             Porque en él se aúnan el artista y el hombre, representa a su sociedad como es y la critica sin piedad en lo que no le gusta.

•             Porque en él se dan cita la razón y la irracionalidad, la belleza clásica y la renovación de lo monstruoso.

•             Porque este hombre-artista vive inmerso en una crisis de múltiples factores:

-             Personal: la enfermedad (sordo como Beethoven).

-             Histórica: participa en la revolución, en el absolutismo, en la caída de los ideales ilustrados y denuncia la brutalidad de la lucha.

-             Político: es monárquico y acepta la legalidad vigente, pero también es libre pensador, como buen discípulo de las ideas liberales.

-             Artístico: los múltiples encargos convencionales que sus poderosos clientes le hacen llegarán a marcar su trayectoria artística.

NEOGÓTICO

Arte Gótico y Neogótico

Arte Gótico. Concepto

El arte gótico es un estilo que se desarrolló en Europa occidental durante los últimos siglos de la Edad Media, desde mediados del siglo XII hasta la implantación del Renacimiento (siglo XV para Italia), y bien entrado el siglo XVI en los lugares donde el gótico pervivió más tiempo.

El movimiento tiene su punto de surgimiento en el norte de Francia y se expande por todo Occidente. Según los países y las regiones se desarrolla en momentos cronológicos diversos, de forma más “pura” en Francia y con ciertas adecuaciones a los estilos locales en países como Italia, Alemania, Inglaterra y España.

Contexto Histórico        

El arte gótico propiamente dicho coincide en el tiempo con la plenitud y la crisis de la Edad Media. Rompe con la representación de una sociedad caracterizada por la lucha de los guerreros y el pasar de los campesinos para reproducir a la floreciente sociedad europea, la burguesía, el desarrollo universitario, pasando por el surgimiento de conflictos sociales de la época y finalizando con hechos de semejante envergadura como lo fueron la Peste Negra y la Guerra de los cien años.

Escultura

Las esculturas góticas nacieron en los muros de las iglesias, a mediados del siglo XII en la Isla de Francia, cuando el abad Suger hizo construir la abadía de Saint-Denis, considerada el primer edificio gótico.

Características

El estilo gótico encontró su gran medio de expresión en la arquitectura.

En contraste con la arquitectura del románico, cuyas características esenciales son los arcos de medio punto, las estructuras macizas con escasos vanos, y las bóvedas de cañón, el gótico empleó el arco apuntado, agujas, capiteles y gabletes reforzando el estilo ascensional que pretende transmitir al edificio, amplios vanos con tracerías caladas para conseguir la máxima luminosidad y estructuras reducidas al mínimo. Todas estas cualidades estilísticas fueron posibles gracias a la bóveda de crucería.

Las iglesias medievales poseían bóvedas muy pesadas que obligaban a disponer de muros gruesos y con pocos ventanales, para soportar sus empujes.

Con el nuevo estilo, (el gótico) las catedrales se beneficiaron de las ventajas de la bóveda de crucería, con ella podía concentrar los empujes de los cuatro vértices y apearlos, por medio de elementos sustentantes como podían ser los pilares o columnas pero también el sistema de estribo y arbotante, un arco que transmite el esfuerzo tangencial hacia un contrafuerte situado en el exterior del edificio, coronado por un pináculo.

Resulta curioso comprobar que el gótico nace en Francia en la región donde había menos experiencia románica, por lo tanto no es necesario considerar el gótico como una continuación del románico sino entenderlo como una manifestación nacida de la misma mentalidad que creó el románico pero desarrollada de modo autónomo en cada país.

Los edificios son más altos y en sus muros se abren grandes ventanales decorados con vidrieras. Para sostener esta estructura, se construyen contrafuertes o pilares exteriores, que soportan el peso de los muros. Además de iglesias y catedrales, se levantaron edificios para la burguesía de las ciudades, como los palacios, lonjas, universidades y ayuntamientos. Las Lonjas Catedral (Arco Apuntado) Interior (Bóveda de Crucería)

Arte Neogótico. Concepto

El neogótico es un movimiento artístico nacido en Gran Bretaña hacia mitad del siglo XIX que basa su estética en el estilo gótico de la Edad Media.

Materiales utilizados

Los materiales empleados en el periodo neogótico difieren bastante en cada obra en particular.

El empleo de nuevas técnicas e industrialización en la construcción, mediante el hormigón, la mampostería y ornamentación imitación piedra, etc. difieren del sistema constructivo original del gótico, basado en la construcción en piedra, donde éste era el principal medio estructural.